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Ottimo film, ormai diventato film manifesto e di culto, con il protagonista, interpretato in maniera eccellente da uno storico Marlon Brando, che in quegli anni divenne vera e propria icona giovanile.
Bel film sulla ribellione giovanile, non è un capolavoro, risulta comunque un po' datato, ma rimane una delle opere migliori di Benedek. 8

Disco dove spiccano tre brani d'assoluta eccellenza ("In Ottobre", lo struggente ibrido tra folk song e musica da camera della title-track e "Regina al Troubadour", con quella sua stupenda parte finale, mooolto "Genesis" tra l'altro) all'interno di un lavoro complessivamente molto valido (vedi apertura e chiusura con due pezzoni come "Insieme al concerto" e "Il gradino più stretto del cielo", ma anche "Radiofelicità"). Con Serafin a fare da chitarrista fisso e più affine alle caratteristiche del trio rispetto a Marton, Le Orme tornano su sentieri a loro più conosciuti con la classe e l'ispirazione melodica che li ha sempre contraddistinti, alleggeriti nel piglio elettrico rispetto a certe sferzate del passato ma va bene anche così. Ottimo disco, mi piace parecchio.

Altro bellissimo disco, non ha molto da invidiare ai tre predecessori, lo metto mezzo scalino sotto perché pur buoni due dei tre strumentali, "Aliante" e "Notturno" non mi fanno strappare i capelli però oh, è un disco di cui non si butta via niente, con almeno tre brani tra i miei preferiti del gruppo ("Maggio", la ballad folk-pop "Frutto acerbo" che ricorda ancora una volta quanto Le Orme fossero legate anche alla semplice canzone e non solo al prog e "La fabbricante d'angeli" altra gemma nerissima da aggiungere al loro repertorio di liriche solari e rassicuranti...), l'ottima title-track strumentale e contrappuntistica (eh be, altrimenti il disco l'avrebbero intitolato "Quel mona di Adalbertopiero" o che so io) e l'acida "India", altra gran bella canzone, altro testo interessante. Bello, ispirato come sempre nelle idee e nelle melodie, con la quasi costante alternanza "strumentale-cantato" e "pezzo ritmato-pezzo quieto" a rendere variegato l'ascolto. Un discone, anzichenò.

Il disco parigino delle Orme, che dalla capitale francese nella quale è stato registrato prende ispirazione nelle ambientazioni dei testi, nelle atmosfere, volendo seguire anche un po' di luoghi comuni, nell'eleganza melodica che costella il disco e nel suo mood raffinato e malinconico, sempre presente nel gruppo ma qui vero centro di gravità del disco; è anche il disco Pop per eccellenza delle Orme, composto da canzoni, raffinatissime e mai banali ma comunque "canzoni", in tutto e per tutto, esaltando un lato della loro musica che, anch'esso, è sempre stato presente anche negli anni '71-'74, quelli più "progressive". All'artwork torna Mazzieri, cinque anni dopo "Uomo di Pezza", e io gioisco perché adoro queste copertine e questa è anche più fica della precedente. "Storia o Leggenda" è molto bello, ma molto (classico esempio di bisogno di "votazioni di mezzo" nei pallini, qui sopra) rispetto all'altrettanto ottimo "Verità nascoste" vive meno di alti picchi ma è nel complesso più omogeneo e compatto, forse giusto un po' troppo incentrato sulla lenta melodia dolce-malinconica (ma che melodie!)... Fino al rush finale di "Al mercato delle pulci", strumentale elettrico, nervoso e incalzante che riporta dritto indietro ai tempi di "Collage" e "Uomo di Pezza".

Disco favoloso, il primo grandissimo lavoro di un'altra delle mie band italiane preferite (e per quanto mi riguarda uno dei grandi nomi della scena prog internazionale di quei primi anni '70). Con questo disco hanno fatto il vero salto di qualità ("Ad Gloriam", per carità, era già un bel disco beat-pop-psych-rock, ma non mi fa impazzire particolarmente) secondo me, 7 brani tra il buono e l'eccelso, che si tratti dei pezzi più "prog" ed elaborati (e qui strepitosa doppietta con "Cemento armato" e "Evasione totale") o di quelli che rimangono vicini alla forma canzone (o che lo sono proprio, "semplici" canzoni) della quale Le Orme erano gran maestri, tenendosi sempre in equilibrio tra la sensibilità pop e quella "progressiva" che loro tra i primi, nel 1971, stavano portando in Italia con tanta maturità, capacità e consapevolezza. E qui ci sono pezzoni come "Era Inverno" "Sguardo verso il cielo" ecc. C'è la bellissima title-track strumentale, che paga il pedaggio (tipico a parecchie band o artisti dell'epoca) dell'ispirazione classica. Un disco molto completo, c'è potenza elettrica (dell'Hammond) e sferzate toste così come delicatezza melodica e raffinatezza. Ci sono passaggi (pochi) solari, musicalmente e c'è (tanta) cupezza. Soprattutto nei testi, sempre molto belli e sempre così allegri e ottimisti da far sembrare i Joy Division una band da trenino di Capodanno.

Secondo splendido disco della "triade" di album migliori delle Orme (per quanto quasi tutti quelli da "Contrappunti" all'Ape siano anch'essi molto belli). Rispetto a "Collage" qui i testi vertono su tematiche, tutte "al femminile", ancora più solari, allegre e ottimiste. Al contrario. Ragazzine violentate, stalking con tentata home invasion, donne in manicomio ecc. EVVIVA! Che band gioiosa. Il tutto a volte "edulcorato" da musica e arrangiamenti rassicuranti e delicati o anche da testi ricchi di immagini evocative che cercano di essere il meno espliciti possibile, "Gioco di bimba" su tutte in questo senso, mentre trovo meraviglioso il contrasto tra la dolcezza musicale (con bonus dell'elettrizzante solo al synth appena comprato di Pagliuca) e il testo da magone e decisamente più esplicito in "Figure di cartone", che è una delle mie preferite del repertorio Orme, al pari di "La porta chiusa" che invece è il brano in cui viene abbandonata ogni delicatezza soprattutto a livello musicale, pezzo costantemente inquieto nelle atmosfere, cupo, incalzante ed elettrico, angosciante anche nel cantato di un grande Tagliapietra. Ancora più elettrico (il brano più aggressivo e "rock" del disco, oltre che cupo, come sbagliare) è lo strumentale "Alienazione", con Hammond e tastiere varie di Pagliuca che la buttano per bene sulla distorsione elettrica, con sonorità davvero strepitose a mio gusto. Ah e la copertina è favolosa.

E che gli vuoi dire. Chiude il trittico di capolavori delle Orme, è il disco più profondo, dove le allegrissime tematiche e i gai testi del gruppo assumono dimensioni planetarie, letteralmente. L'inconfondibile ottimismo nelle liriche, i temi e lo stile vicini a quelli da lui espressi, avevano attirato l'ammirazione e l'apprezzamento di Peter Hammill, nientemeno, che le tradusse e adattò in inglese per la versione in lingua anglofona del disco. Testi di alto livello, musiche anche meglio, passaggi strumentali e melodie, cantate e non, sono il massimo prodotto dal serenissimo trio, per quanto-puri dettagli di preferenza personale-in realtà gli preferisca di un niente almeno "Uomo di Pezza" di sicuro e forse anche "Collage"... Forse è perché "Felona e Sorona" trasmette anche troppa angoscia in alcuni momenti; ma è un capolavoro, di una bellezza, una profondità e una maturità incredibili.

E che devi dire dell'album coi simboli... La band spunta la casella del Blues con l'incredibile rilettura di "When the Levee Breaks", l'epica del blues. Dopo Harper omaggiano un'altra grandissima come Joni con una perla acustica del calibro di "Going to California". Ci regalano due classiconi elettrici come "Black Dog" e "Rock'n Roll" e il loro capolavoro acustico definitivo con "The Battle of Evermore" impreziosito da un duetto sublime di Plant con la mia amatissima Sandy (con tanto di simbolo proprio), regalano due brani più particolari come Misty Mountain (bella) e "Four Sticks" (con cui ho dei problemi a causa del timbro di Plant, ma ha sniffato l'elio in 'sto pezzo ?). E poi ah già... C'è quella canzone del diaulo che è malvagia e se la ascolti al contrario tutti i tuoi album si trasformano in dischi di Nek e Biagio Antonacci.

Ispirati dalle splendide colline gallesi Page e Plant danno sfogo al loro lato più intimista, acustico e folk che esplode soprattutto nella seconda metà del disco (all'inizio però c'è la bellissima "Friends") e visto che i Led come autori o interpreti di musica folk hanno sempre fatto belle cose, troviamo 4 canzoni splendide una dietro l'altra, dalla loro personale lettura del trad. britannico "Gallows Pole" (che diventa "danza" scatenata) all'omaggio al rifugio in Galles di "Bron-Y-Aur Stomp" passando per due gemme come "Tangerine" e "That's the Way".Vero anche che il capolavoro dell'album è quello che resta sui territori del Blues più intenso con l'immensa "Since I've Been Loving You". Disco ispirato anche nei brani elettrici/hard-rock, qui regna l'evergreen "Immigrant Song". Chiude il particolare omaggio ad un amico e maestro immenso e sempre troppo poco acclamato, Roy Harper.

A quasi 10 anni dal primo ascolto è ancora uno dei miei dischi preferiti, un esordio clamoroso, un lavoro perfetto che per me resta il disco Hard-Blues per antonomasia, nonostante le sublimi sortite in campo elettro-acustico (più acustico che elettrico) di "Babe I'm Gonna Leave You" o addirittura lo strumentale alla chitarra acustica di un Page che va nel campo del puro folk tradizionale britannico (anzi irlandese) con "Black Mountain Side" che riprende "Down by Blackwaterside" in particolare la versione che ne diede tre anni prima Bert Jansch, un omaggio di Page ad un grandissimo maestro. E "Dazed and Confused" acida, psicadelica e luciferina che è "La Mia" canzone dei Led Zeppelin, straordinaria. E tutto il resto... Madò tutto il resto... Capolavorone.

Ha la copertina sbagliata però sarebbe il secondo eh, che è un altro capolavoro da applausi e una colonna portante del Hard-Blues-Rock dopo l'esordio, che continuo a preferire di un nonnulla. Disco ai limiti della perfezione, non un secondo sprecato, nemmeno con il palcoscenico per lo sfogo solista di Bonzo in "Moby Dick". Due capolavori da orgasmo come "Whole Lotta Love" e soprattutto "The Lemon Song" (quella sezione centrale, il basso di Giovanni Paolo...) e l'altra mia preferita del disco, quel gioiello dalla melodia stupendamente british e di gran romanticismo che è "Thank You" a firma Plant-Page e con quel finale all'Hammond di Jones, da brividi... Poi il resto, tutti degli eccezionali evergreen tra i quali spicca quel tesssooroo di canzone che è "Ramble On".

Disco in cui la fase calante (che già si affacciava in vari pezzi meno riusciti di "Graffiti..." giustificabili però con l'abbastanza comune sindrome da doppio album) si fa per la prima volta sentire con prepotenza, in più è registrato in un momento pessimo per le condizioni psico-fisiche di tutti i membri della band (tranne forse John Paul ? Boh) eppure in alcuni brani la strascicata sofferenza e la cupezza del momento, perfino la svociata ugola di Plant, unita all'ovvio mestiere di una band del genere, diventa quasi un valore aggiunto per brani come "For Your Life" "Nobody's Fault But Mine" e il lento, lumacoso blues di "Tea For One", tutti brani più che validi. Poi c'è "Achilles Last Stand" che è un colpo di coda pazzesco, hard-rock "maturo" e con un Page straordinario (tutta la band a dire il vero, incluso l'effetto svociatura di Roberto) che è la summa del "mood" di "Presence" e ne è naturalmente anche la vetta qualitativa. Il resto è puro riempitivo, tre canzoni delle quali la più carina è decisamente "Royal Orleans" mentre le altre due sono onestamente meno che "un tipo" e abbastanza dimenticabili. Notare come siano andati sul sicuro, qui, abbandonando le sperimentazioni e l'eclettismo dei due dischi precedenti (soprattutto) e concentrandosi sul Rock-Hard-Blues come approdo sicuro. Con tutti i suoi difetti "Presence" è un disco con alcune cose molto valide.

Ancora un gran disco per i Led, l'ultimo davvero grande a mio gusto. Rispetto ai precedenti già questo in realtà da segni di cedimento, più che altro per la sua struttura di doppio album, con la band che per riempirlo ha utilizzato molti brani già registrati negli anni precedenti durante le sessioni di "III" "IV" e "Houses of the Holy" insomma degli "scarti" che si rivelano a volte molto validi ("The Rover" è forse l'esempio migliore ma c'è anche "Black Country Woman") altre volte si capisce bene perché fossero rimasti fuori. Anche nei brani inediti c'è un'alternanza tra pezzi fantastici (quasi tutti sul primo disco, "Kashmir" e la loro versione di un vecchio gospel della Louisiana che è "In My Time of Dying" su tutte, ma ho un debole per "Trampled Under Foot") e un paio invece che mi dicono decisamente poco ("The Wanton Song" e "Sick Again").

Un disco, questo, che ho sempre apprezzato moltissimo, sebbene sia nel complesso un poco inferiore rispetto ai loro precedenti 4 lavori. Mi piace molto il desiderio qui mostrato dalla band di sperimentare su stili e suoni mai esplorati precedentemente da loro. Il desiderio di rinnovarsi porta tanto al giocare un po' goliardicamente con generi fuori dalle loro corde (il Funk e James Brown omaggiati in "The Crunge", simpatica e il Reggae di "D'Yer Mak'er" che a me piace oh) quanto a comporre due dei loro brani migliori in assoluto "The Rain Song" e "No Quarter" che si muovono su territori sonori mai esplorati prima dalla band e i risultati sono da spellarsi le mani per gli applausi, da brividi. Il resto sono canzoni più canonicamente nel loro stile, spiccano la favolosa "Over The Hills and Far Away" e la bella "Dancing Days".

"If It Be You Will" ennesimo capolavoro. Il resto del disco si difende molto bene pur senza raggiungere i livelli in effetti davvero vertiginosi di alcuni lavori precedenti. Molto bello in ogni caso.

Una pietra così grossa sulla strada della canzone d'autore da farmi pensare che sia uno di quei dischi da "Un Prima e un Dopo di lui". In apertura e in chiusura i due più clamorosi capolavori: della perfezione melodica eterna e rarefatta di "Suzanne" che lo dico a fare, e altrettanto perfetta è "One of Us Cannot Be Wrong". Ogni canzone ha tantissimo da dire, le liriche di un grande poeta della seconda metà del XX secolo ("The Stranger Song", per dirne una), la bellezza superba delle melodie ("Sisters of Mercy" per dirne un'altra, tanto sono intercambiabili nel discorso), essenziali e intoccabili così come sono; i piccoli accorgimenti negli arrangiamenti (i controcanti della voce femminile di Nancy Priddy, l'arrangiamento più corposo del solito in "So Long, Marianne" con gli strumenti che entrano uno dopo l'altro, in un gioco di aggiunte sempre discreto e mai sovrabbondante).

Disco molto carino, ma nulla di particolarmente eccezionale; è il primo disco di questa cantautrice "lanciata" da Elton John e Bernie Taupin, lei era una delle coriste nei dischi '70-'71 di EJ e lui lasciò spazio e cantò (con lei come seconda voce) la sua "Love Song" su "Tumbleweed Connection". All'epoca moglie di Jimmy Horowitz, che produce e arrangia il disco ed è co-autore di alcune canzoni, Duncan realizza un dischetto di ballad melodiche di tipicissimo cantautorato "pop-folk", alcune canzoni hanno delle belle melodie senza dubbio, nel complesso è abbastanza ripetitivo ma di sicuro piacevole, naturalmente qui c'è il suo unico "classico", la "Love Song" stavolta cantata da lei stessa; non è un disco che si eleva dal mucchio, ma certo le canzoni sono ottimamente suonate e Duncan in questo è aiutata molto dal fior fior di session-man che la spalleggiano: il "mentore" Elton John accompagna al pianoforte e porta con se i musicisti che stavano registrando con lui "Madman Across The Water": uno dei cinque lati del Pentacolo Terry Cox alla batteria, Chris "il prezzemolo sta bene ovunque" Spedding ad arpeggiare chitarre acustiche e Ray Cooper al tamburello, più Horowitz all'organo e David Katz che si occupa delle parti orchestrali. Ballad non di incredibile bellezza, anzi un po' monotone, ma nel complesso un buon disco, nella media.

Questo disco è una delle cose più belle uscite fuori dal progressive nostrano, in "ritardo con i tempi", ma di una bellezza purissima. Quello della band di Asti è un disco del più puro e classico progressive-rock-romantico intensamente ispirato ai modelli inglesi, i Genesis in testa (a volte anche troppo- l'intro di "Profumo di colla bianca" copiaincollato dalle sonorità di "Wind and Wuthering") ma va benissimo qualsiasi band inglese esponente del pop-rock e del prog-rock più melodico degli anni '70, con in più dei Gentle Giant nel repertorio pregresso (nei dischi che raccolgono materiale della band precedente alle Lucciole-a proposito il romantico nome della band viene da un bordello, tutto questo è bellissimo-troviamo ben due cover dei Gentle Giant) e persino la splendida copertina del disco segue un preciso modello britannico, quello di Roger Dean (è praticamente un suo "apocrifo" tra gli Yes e, ancora di più, gli Uriah Heep). Le ispirazioni però sono sfruttate benissimo e il trio Conta-Gaviglio-Vevey crea un mondo pregno di melanconia e di nostalgia che si riversano su ogni nota, che raramente scivola nel troppo sdolcinato ("Non chiudere a chiave le stelle", forse) ha tante stupende melodie ed è puro "rock-romantico" con i suoi momenti elettrici, le sue accelerazioni, i suoi soli di chitarra e-anche-i momenti più acustici. La voce di Sasso, oltretutto, è una delle mie preferite della scena prog italiana. Disco stupendo.

Si si lo so, de collezionare Reed adesso è un po' necrofilo ma 'sti cazzi. Buon disco comunque, leggero e piacevole. 4 pieno se non altro per la title-track, e un paio di altri pezzi. Anche l'ultimo suo bello prima del biennio 1989-1990.

Questo è il primo disco nel quale Battisti piazza canzoni che già raggiungono l'eccellenza ("Emozioni", che del disco è apice e centro, è una delle più belle canzoni di tutto il suo vasto repertorio, ma ci sono anche "Anna"-con 4/5 della futura PFM come backing band- e il blues-rock bianco di "Il tempo di morire") e poi altre ancora che non ci vanno lontano (ripescata dal primo disco "Non è Francesca" con la sua seconda parte acida e strumentale, poi la gemma pop "Fiori rosa, fiori di pesco", ad esempio o una gemma nascosta come "Era"); sono canzoni che, per idee, per interpretazioni, uso della voce e coraggio portano la canzone pop italiana oltre i soliti confini. Proprio per questo però si sente nettamente lo stacco tra le canzoni più eccelse e quelle dove Battisti si adagia sul suo lato più "nazionalpopolare" con le stracelebri canzoni pop e/o beat (Acqua azzurra, "Mi ritorni in mente", "Dieci ragazze", dove a Battisti va comunque dato il merito di un'abilità sublime nel creare refrain che sono dei sempreverdi immortali e radicatissimi, oltre che comunque piacevoli-la canzone più brutta di Battisti vale sempre dieci laurepausini eh), che obbiettivamente non tengono il passo con i momenti più alti del disco. Anche "Emozioni" è una gran palestra di giovani talenti: Radius, Baldan Bembo, Demetrio Stratos (all'organo!) e via così, con arrangiamenti di Reverberi. Primo vero grande disco di Battisti.

Gran disco. Il primo di Battisti e Mogol con la loro Numero Uno, che infatti lascia alle spalle il periodo degli album "raccolte di singoli" dove varie canzoni apparivano su più dischi diversi (anche se già "Amore e non amore" si era molto ben distaccato da questa caratteristica). Questo disco precede quello che considero il trittico "aureo" di Battisti, il suo zenit artistico (Canto Libero/Caro Angelo/Anima Latina) ed è un ottimo esempio della sua versatilità artistica e apertura mentale: si apre con un classico che più classico non si può della canzone italiana, uno dei capolavori pop di Battisti ("I giardini di marzo" quanto cazzo è bella) e si chiude con uno strumentale (a parte i cori che fanno "UO!") psych acidissimo a suon di chitarra elettrica ("Il fuoco" il gran colpo di scena di Battisti, bel pezzo psicorumotronico per altro anche se magari non la sua tazzissima da tè). In mezzo un' altra delle sue canzoni più belle ("E penso a te" da applausi) altri esperimenti e invenzioni (la title-track senza parole, solo fischiettata e canticchiata la bella melodia) uno sketch degno di Sandra e Raimondo trasformato in canzone con un raffinatissimo divertissement ("Innocenti evasioni") e una folkeggiante favolesca e gradevolissima canzonetta allegorica ("Il leone e la gallina"). Se la prima e la terza traccia sono due capolavori, tutto insomma è più che di buon livello (belle anche "Comunque bella" con Battisti nel finale nel doppio ruolo donna/uomo e "Sognando e risognando").

Il clamoroso omonimo del 1979 (con l'immancabile copertina sbagliata del deb) secondo tassello della sua eccezionale trilogia "cantautoriale" e in generale ennesimo disco bellissimo in una sequenza iniziata 6 anni prima con "Il giorno aveva cinque teste". Questo è un disco praticamente perfetto, nessuna sbavatura e ispirazione continua in una serie di grandi canzoni ("La signora" "Notte" "Stella di mare") puntellata da tre pezzi particolarmente ispirati (giustamente tra i suoi evergreen) e superiori anche all'alta media qualitativa del disco: "L'ultima luna" "Anna e Marco" (quasi "Zavattiniana" alla "Miracolo a Milano") e "L'anno che verrà" ovviamente. Immenso Dalla.

Qui poco da dire: il mio Dalla preferito, il suo disco che mi porterei sull'Isola Deserta, forse insieme a "Il giorno aveva cinque teste": il primo roversiano e il primo cantautoriale. Sarà un caso, boh.

Molto carino, con alcune perle eccezionali. Inizia qui, e durerà circa un decennio, il periodo d'oro di Dalla.

Non male certe atmosfere rarefatte e oscure, più un paio di pezzi più che discreti, per il resto però l'ho trovato bruttino, senza molte idee veramente valide, noioso assai e con l'aggravante del suono orribile di quell'alquanto insopportabile drum-machine. Esordio molto acerbo e non troppo interessante questo dei Lycia per muà.

Nenie morte, cantilene divise tra la noia e il mal di vivere, a volte oltre il limite dell'irritazione ("Tied and Twist"), con quella vocetta da dodicenne in preda a languori sessuali, che verso metà del disco sfumano in fumosi e notturni swing-jazz-blues da locale malfamato, da vecchia canzone di un(a) crooner poco raccomandabile, dove la bambina si fa ironica, ammiccante, nel suo parlato-cantato ("Lady Scarface") o in cabaret grotteschi pieni di storture ("Carnival Fat Man") e diventa fondamentale l'apporto della Billy Ver Plank Orchestra così come è fondamentale l'apporto di Pat Irwin per l'intero disco, in brani che presentano spesso code strumentali quando la nenia di Lydia si esaurisce ("Cruise to the Moon" è addirittura interamente strumentale, ed è una delle migliori). C'è anche della concessione alla canzone pop, quel pop degli anni '60 che la "Queen of Siam" ha spesso dimostrato di prediligere; in questo caso è la sua personale versione di "Spooky", uno dei momenti più "catchy" e divertenti del disco. L'altra cover, "Gloomy Sunday", che già di suo vivace non è, viene completamente assorbita nel mood da nenia in stato comatoso della prima parte del disco, tra l'altro uno stile che a questa canzone calza a pennello. Questo è di sicuro un esordio solista che lascia il segno, non poco. Disco molto bello per quanto ci siano cose sue che ho apprezzato anche di più.

Buonissima seconda prova per gli Skynyrd solo che, come ho detto, già da qui non mi prendono più come nell'esordio. Comunque il disco è sempre tirato e divertente, per il capolavoro del disco ringraziare J.J. Cale (ottima versione la loro), bellissima anche "The Ballad of Curtis Loew". Ma tutti i brani sono un ascolto gradevolissimo (cito "Don't Ask me no Questions" e "Swamp Music" soprattutto), poi c'è il super-classico "Sweet Home Alabama" che non è mai stata tra le mie preferite del gruppo.

Se c'è un disco dei Lynyrd a cui mi sento di dare il voto massimo, quello è "Pronounced". Esordio eccezionale, una manciata di buonissime canzoni ("Poison Whiskey" mi piace parecchio) e tre brani capolavoro ("Tuesday's Gone" "Simple Man" e "Free Bird") tra "Southern", Blues e Rock'n roll. Splendido, diciamo un 4,5 arrotondato per eccesso. La "magia" di questo disco nei successivi, pur validi, non l'ho ritrovata.